Ruby Sparks: A Namorada Perfeita

 

“Esta é a verdadeira e impossível história do meu grande amor. Esperando que ela não leia e me censure, eu omiti vários detalhes. Seu nome, dados sobre onde nasceu e cresceu, e as cicatrizes ou marcas que poderiam identificá-la. De qualquer modo, não posso evitar de escrever isto para ela”. 

É triste afirmar isso, mas até hoje não tenho um conceito limpo e claro do que a escrita representa para mim. Escrever é uma atividade tão complexa e inesperada, que talvez não existam palavras certas para conceituá-la como uma receita que todos leem e seguem os passos. Porém, uma coisa eu posso confirmar: sentir o poder das letras construindo ideias e levantando os muros da imaginação frequentemente pode ser visto como mágica. 

Em Ruby Sparks: A Namorada Perfeita, acompanhamos o cotidiano de um rapaz que vive em uma fortaleza alicerçada por suas palavras. Calvin (Paul Dano) é um jovem escritor, que no passado consagrou sua carreira com seu livro de estreia ao ponto de torná-lo um clássico da literatura moderna. O problema é que após anos vivendo sob a fama do primeiro livro, os leitores e amigos passam a cobrar um novo trabalho.

 

Sendo um solitário, que não convive com outras pessoas a não ser seu irmão e seu terapeuta, Calvin não faz ideia do que pode escrever. Contudo, inspirado por um sonho com uma garota ruiva, ele passa a redigir um romance a respeito de Ruby, sua protagonista imaginária, a namorada que qualquer homem gostaria de ter, principalmente ele. 

Neste ponto, o filme lembra muito Mais Estranho Que a Ficção, pois Ruby Sparks (Zoe Kazan), a personagem, começa a aparecer para Calvin como uma pessoa real. O que seria loucura, se não fosse o fato de que outras pessoas também conseguem vê-la e a tratá-la normalmente. Logo Calvin percebe que pode usufruir bastante de sua criação, incluindo na influência de ser capaz de manipular seus atos e emoções. Entretanto, não é possível fazer isso sem sofrer consequências.

Dirigido por Jonathan Dayton e Valerie Faris (a dupla de Pequena Miss Sunshine), e escrito pela atriz que interpreta Ruby, a película trata de um tema já visto, mas com a dádiva de não cair na previsibilidade. O elenco conseguiu estabelecer uma sintonia harmoniosa e a cena com os antagonistas são as melhores (Destaque para o irmão). E a trilha sonora, a qual sabiamente não usou de artifícios grandiosos, encanta o espectador ao som dos lânguidos violinos. 

Ruby Sparks: A Namorada Perfeita é um filme que aborda a escrita como um resgate contra a solidão. Vemos um protagonista soterrado pela angustia encontrando conforto na magia da escrita e, sobretudo, percebendo que as palavras, ainda que sejam capazes de criar mundos, também podem ter um papel fundamental em nossas vidas. E mesmo que muitos não consigam conceituar o ato de escrever, não há com o que se preocupar; afinal, milagres simplesmente acontecem. 

“Alguém poderia ler este livro e achar que é mágica, mas se apaixonar é um ato de magia. E escrever também é. Todo escritor pode testemunhar, no estado mais afortunado e feliz, que as palavras não proveem de você, mas que passam através de você”.

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Monólogo Mundo Moderno

Mais uma do Chico. Vamos refletir?

"E vamos falar do mundo, mundo moderno, marco malévolo, mesclando mentiras, modificando maneiras, mascarando maracutaias, majestoso manicômio. Meu monólogo mostra mentiras, mazelas, misérias, massacres, miscigenação, morticínio, maior maldade mundial. Madrugada, matuto magro, macrocéfalo, mastiga média morna, monta matumbo malhado, munindo machado, martelo, mochila murcha, margeia mata maior. Manhãzinha move moinho, moendo macaxeira, mandioca, meio-dia mata marreco, manjar melhorzinho, meia-noite mima mulherzinha mimosa, Maria morena, momento maravilha, motivação mútua,  mas monocórdia mesmice. Muitos migram, macilentos  maltrapilhos, morarão modestamente, malocas metropolitanas, mocambos miseráveis, menos moral, menos mantimentos, mais menosprezo. Metade morre, mundo maligno, misturando mendigos maltratados, menores metralhados, militares mandões, meretrizes marafonas, mocinhas, meras meninas,, mariposas, mortificando-se moralmente, modestas moças maculadas, mercenárias mulheres marcadas. Mundo medíocre. Milionários montam mansões magníficas, melhor mármore, mobília mirabolante, máxima megalomania, mordomo, mercedez, motorista, mãos, magnatas manobrando milhões, mas maioria morre minguando! Moradia meiágua, menos, marquise, mundo maluco, máquina mortífera. Mundo moderno, melhore! Melhore mais, melhore muito, melhore mesmo! Merecemos, maldito mundo moderno! Mundinho merda!".

A Busca

 

A jornada é o que conduz o herói. É nela que ele vai encontrar dificuldades, soluções e objetivos, assim também como a definição de quem ele é. Infelizmente, nem todas as histórias possuem um arco dramático profundo o suficiente para fazer o protagonista lançar sobre si reflexões que lhe tragam autoconhecimento e o faça sair da inércia para uma nova etapa.

Não é o que ocorre em A Busca, filme de estreia do diretor Luciano Moura, em que um pai traça uma trajetória tortuosa e trôpega para reencontrar seu filho. A premissa da trama, no entanto, vai além disso, refletindo o cuidado dos roteiristas em lapidar detalhes e entregando ao público uma obra cujo gênero deveria ter um destaque maior no cinema nacional.

O pai em questão é Téo, interpretado magnificamente por ninguém menos que Wagner Moura. Ele e sua esposa, Branca (Mariana Lima), estão separados e tentam fazer com que seu filho, Pedro, não seja espectador do processo dolorido da distância. Portanto, dão o espaço necessário para que o garoto possa desopilar, inclusive oferecendo-lhe uma viagem para o exterior.

 

Eis que, nas vésperas de seu aniversário de 15 anos, Pedro desaparece e ninguém do seu círculo de amizades sabe onde ele se encontra. Logo o pai ausente encara sua jornada seguindo os ínfimos vestígios que o filho largou pelo caminho, conhecendo novos cenários e pessoas que vão deixando marcas em seu semblante (literal e emocionalmente falando).

O interessante em A Busca é observar as semelhanças com as fábulas, uma vez que a moral tem que ser absorvida no fim ao passo que o teor metafórico também tem um papel fundamental no enredo. A ausência de água na piscina da casa em reforma é o exemplo de que a família está desestruturada, assim como a goteira na casa de Téo representa sua estagnação perante o seu relacionamento paterno.

E por ser um filme que perpassa várias localidades, é no mínimo natural – ou ao menos característico – que o protagonista se sinta tocado e saia modificado de cada situação que vivência ao longo da busca, como as águas de um rio que vão mudando no decorrer de seu trajeto (A cena em que Wagner se banha no rio é altamente simbólica e linda).

Em sua película de estreia, na qual o roteiro é bem organizado e a trilha sonora é quase infalível, Luciano Moura revela um resultado que, tragicamente, conquistará apenas uma determinada camada do público brasileiro. O que não é um demérito, pois a jornada já está definida e, assim como a correnteza de um indômito rio, as águas não vão parar até alcançar seu destino final.

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Ode à Costela

É simples entender porque as mulheres sempre buscam reconhecimento: elas são vítimas desde o início dos tempos. A estrada de infortúnios tem seu prefácio lá no Gênesis, quando Eva é covardemente ludibriada pela cobra e experimenta do fruto proibido. A partir daí, além de ter sido expulsa do local mais seguro e puro da face da Terra e transmitir ao restante da humanidade as marcas da queda, por desobediência às ordens de Deus, Ele também a consagrou com uma dor descomunal na hora do parto. 

De fato, o sangue é o elemento que mais está presente no histórico feminino. Desde morticínios a estupros, não é de se admirar que elas mereçam um pouco mais de respeito. Abram os olhos, homens! Pois, se o berço da mulher é proveniente de uma costela masculina, não há dúvidas sequer de que elas estão aqui para fazer da metade um todo. 

Mulheres possuem a habilidade de estabelecer o equilíbrio. Podem ser a luz em tempos de trevas. Elas têm a capacidade de misturar a razão e a emoção sem sofrer danos mentais e ainda insistem em demonstrar o contrário. É claro que há exceções: as confusas permanecem perdidas porque continuam ignorando seu verdadeiro potencial. O que não deixa de ser comum, uma vez que a jornada é repleta de obstáculos e, segundo diria Guimarães Rosa, o que importa é a travessia. E isso elas conseguem realizar com destreza e maestria. 

Mulheres sabem separar o joio do trigo e encontram a ovelha perdida do rebanho, mesmo que isso demore horas e – em muitos casos – vários dias. Elas nos situam no espaço, nos impulsionam a sair da letargia, ressignificam e renovam nossos propósitos e nos fazem refletir a respeito daquilo que está entre o princípio e o fim. Ah, o fim! Se a mulher é o recipiente da vida, nada mais justo imaginar a morte ao lado de outra mulher que te faça feliz. Na saúde e na doença, assim dizem por aí. 

Acordai-vos, homens! Embora existam aquelas traiçoeiras como raposas e destiladoras de veneno como as serpentes, é sensato nunca se esquecer de que dentro de uma colheita sempre surgirá uma fruta podre. O tempo e a vida tratarão de moldá-la, por isso jamais desista de todo o resto. Porque, apesar das falhas, todo homem precisa reconhecer, acima de qualquer imperfeição, que as mulheres são uma obra divina.


                                                                                                                    Parabéns, mulheres!

O Palhaço

 

“Na vida, a gente tem que fazer aquilo que sabe fazer. O gato bebe leite, o rato come o queijo... E eu sou palhaço”.

Certa vez fui a um circo, onde, ao final da sessão, o palhaço explicou que o picadeiro é um espaço que tenta representar o mundo; todos nossos sonhos, receios, sentimentos, e que nós, os espectadores, fazíamos parte deste magistral espetáculo. Essa interpretação ecoou em meus pensamentos por vários dias e então percebi que uma das funções primordiais da arte é justamente agregar pessoas em prol de uma única causa. 

Em O Palhaço, dirigido e roteirizado por Selton Mello, é notável observar esta união quando se tem a visão dos bastidores de uma trupe circense. Benjamim (Selton) é um rapaz que vive ao redor da única coisa que aparentemente sabe fazer: entrar no picadeiro e assumir a postura do palhaço Pangaré. Ao seu lado está o seu pai (Paulo José), dono do circo.

 

Sendo filho do proprietário, cabe a Benjamim resolver todos os problemas que caem sobre o circo, entre eles conseguir um ventilador (desejo que permeia quase todo o filme, tornando a relação entre homem e objeto quase poética). Mas, como pano de fundo, esse é o menor dos problemas do jovem palhaço; ele não tem certeza se de fato trabalhar em um circo faz parte de sua verdadeira identidade, e mesmo que seja, do que adianta fazer as pessoas rirem, se não há ninguém para fazê-lo rir? 

Ainda que O Palhaço seja um longa colorido, com uma iluminação exótica e paisagens belíssimas e muito bem selecionadas, sempre há um tom melancólico na forma com que Benjamim enxerga as coisas. Seria um filme entediante, porém as lacunas são facilmente preenchidas com os outros membros do elenco que, com expressões faciais e corporais, souberam transmitir as vicissitudes de seus personagens (destaque para a menina).

Selton Mello soube direcionar seu projeto de maneira suave e carinhosa. E sim, é possível sentir isso em algumas cenas. O movimento da câmera, os enquadramentos e a iluminação, são elementos que convergem para uma simplicidade de encher os olhos. A trilha sonora instrumental colabora para que esta imagem fique firmada até o final. 

Não sei se o circo é a arte mais completa do mundo, mas em O Palhaço pude ver um pouco de tudo; desde referências teatrais à uma vaga lembrança dos Trapalhões em seus tempos de glória. Talvez a arte mais complexa de todas seja a questão humanidade, a qual, atrelada a um turbilhão de sentimentos, torna-se a maior responsável pelo nascimento de um artista no maravilhoso espetáculo da vida. 

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Tempos Modernos

 

Há uma frase memorável de Charles Chaplin em que ele diz que sorrisos e lágrimas são antídotos contra o ódio e o terror. Tal enunciado não poderia estar tão correto, uma vez que pode ser muito bem encaixado na contemporaneidade e, quiçá, em épocas futuras também. Entretanto, nos tempos da modernização, onde tudo era novidade, talvez essas palavras tenham tido um valor maior. 

Tempos Modernos, filme de 1936, dirigido e escrito pelo próprio Chaplin, nos traz um enredo no qual é mostrado as consequências de uma vida atingida pela revolução industrial, de um modo cômico e crítico. Charles reprisa seu personagem mais famoso, o Vagabundo, que aqui é um operário submetido ao trabalho da repetição. 

Depois de transgredir as leis da era das máquinas, sob um súbito ataque de loucura, o pobre alienado é preso e percebe que a carceragem é um ambiente mais saudável que o mundo lá fora, onde a modernidade se faz cada vez mais presente com seus carros, furadeiras e pessoas se locomovendo para as fábricas iguais a ovelhas indo para o abate (Repare na cena inicial).

 

É interessante como Chaplin sabia equilibrar as coisas, de uma forma que a mensagem a ser passada penetra por meio de situações paralelas. Outros personagens, como a menina pobre, refletem a fome, a miséria e o desemprego que a modernização causou, nos lançando a reflexão de que muitas vezes os avanços tecnológicos não trazem bons frutos. Um exemplo disso é evidente na frequência com que Charles troca de emprego. 

Para muitos considerado um dos pais do cinema, ao lado dos irmãos Lumière e George Méliès, Charles Chaplin era um artista a frente da sua época. E, assistindo a Tempos Modernos, é fácil ver o motivo pelo qual ele recebeu esses títulos. Ele deu ritmo aos filmes mudos e trouxe um humor inovador, algo que antes era raro de se ver. Além disso, ele dirigiu todos os longas nos quais atuou e era responsável pela trilha sonora também (Smile, uma de suas composições mais bonitas, tem sua estreia aqui).

O curioso de Tempos Modernos, apesar de ser um filme antigo, é perceber que os ‘tempos’ não mudaram tanto assim. Ainda é visível sentir a desigualdade social, pessoas reivindicando seus direitos e cidadãos se agarrando à tecnologia e à ilusão de que ela pode levar a uma vida mais alegre. E mesmo tendo um pano de fundo dramático, ao final Chaplin termina com uma de suas maiores lições: não importa qual seja o tamanho das dificuldades, sempre será possível sorrir.

O Lado Bom da Vida

  

“O quê? Está brincando? Domingos? Eu amo domingos. Vivo por domingos. A família toda junta. Mãe faz Braciole. Pai veste camisola. Nós assistimos o jogo. Sim, isso me deixa louco, e sim, eu era negativo”. 

Uma vez Jesus Cristo ensinou a um grupo de judeus que ao conhecerem a verdade, ela os libertaria. E isso, como já é de se esperar da Palavra bíblica, pode ser aplicado nos dias de hoje em diversos seguimentos da sociedade. Ainda que a realidade muitas vezes seja fria e cruel, ela sempre será a melhor alternativa entre acreditar em uma mentira ou se esconder da verdadeira natureza dos fatos.

Em O Lado Bom da Vida, vemos isso sob a perspectiva de uma pessoa doente. Pat Solitano (Bradley Cooper) é um cara que perdeu tudo que uma pessoa normal almeja: a casa, o emprego e o casamento. Após ser autor de um incidente quase mortal, descobrir que sofre de bipolaridade e passar uma longa temporada em um hospital psiquiátrico, ele retorna ao mundo sob os cuidados da família. 

O problema é que Pat cria a ilusão de que sua ex-mulher ainda o ama e por isso tem planos para tentar resgatar seu relacionamento com ela, mesmo que todos ao seu redor queiram evitar esse grande erro. Ele precisa construir uma estratégia para que sua vida volte ao eixo correto, e nesta jornada conhece Tiffany (Jennifer Lawrence), uma mórbida garota que busca respostas tanto quanto ele.

 

Ambos ficam amigos, compartilham suas dores e descobrem que podem se ajudar. De forma natural, a liberdade que os dois procuravam começa a brotar, talvez não da maneira que esperavam, e as ótimas atuações da dupla de protagonistas faz o espectador seguir junto nesta tocante aventura. 

Dirigido por David O. Russel (de O Vencedor) e baseado no romance de Matthew Quick, o filme recebeu as principais indicações ao Oscar (melhores atores, principais e coadjuvantes, assim como Melhor Filme) e, além do elenco talentoso, a trilha sonora se encaixa perfeitamente ao ritmo do filme, em nuances simplórias e serenas. 

Por mais que o longa aborde temáticas sérias, como oscilações de humor, morte e dificuldade em encontrar o caminho da superação, o drama é equilibrado com um humor negro que não se torna desagradável. O Lado Bom da Vida é mais um exemplo de que a verdade, em qualquer situação, é realmente libertadora. E ainda que os protagonistas tenham demorado a perceber isso, o que basta é apenas prestar atenção nos sinais. 

“O mundo vai quebrar seu coração 10 vezes até domingo, está garantido. E eu não posso explicar isso... ou a loucura dentro de mim ou de todo o mundo, mas, adivinhem? Domingo é meu dia favorito de novo. Eu vejo tudo o que todos fizeram por mim e me sinto... um cara muito sortudo”.

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